Cannes 2026: Avedon, Visitation

Wenn, wie zu Beginn von Ron Howards Dokumentarfilm „Avedon“ angedeutet wird, das Genie eines archetypischen Richard Avedon-Fotos darin liegt, alles Überflüssige abzutragen – sodass nichts bleibt außer dem Publikum, dem Subjekt und einem weißen Hintergrund – dann könnte es kontraproduktiv sein, einen Film über Avedon zu machen. Zusätzlicher Kontext ist irrelevant; die Kunst ist das Wesentliche.

Dennoch hat „Avedon“ – der im Bereich der Sondervorführungen in Cannes gezeigt wird – mehr als seinen Anteil an scharfen Einblicken in die Arbeitsmethoden des Fotografen sowie einige gute Klatschgeschichten über seine Interaktionen mit (scheinbar) fast jeder wichtigen Persönlichkeit des 20. Jahrhunderts. Während der verehrende Ton in Howards Film das ist, was man von einem Profil erwarten würde, das in Zusammenarbeit mit der Richard Avedon Foundation produziert wurde – es gibt einige Bemerkungen darüber, wie Sticheleien von Kunstkritikern schmerzten – gibt es reichlich Filmmaterial von Avedon selbst, und Anekdoten von Freunden vermitteln ein lebendiges Bild seiner Persönlichkeit. (Der Schriftsteller Adam Gopnik schlägt vor, dass Avedon die Angewohnheit hatte, Anrufbeantworternachrichten mit den Worten „geh nicht ran“ zu hinterlassen.)

Es ist interessant zu hören, dass Avedon das Gefühl hatte, die Kamera stünde ihm im Weg, und dass er, wenn er könnte, Fotos direkt mit seinen Augen gemacht hätte. (Er wechselte schließlich zu einem System, das es ihm ermöglichte, neben dem Objektiv statt dahinter zu stehen.) Isabella Rossellini vergleicht ihn mit einem Jäger, der auf seinen Schuss wartet, eine Haltung, die sie mit den schnappschussfreudigen Fotografen kontrastiert, die sie im Modebereich vermutet.

Wir erfahren, wie viel Zeit es Avedon kostete, ein ungeschütztes Bild von jemandem zu bekommen, der so an Kameras gewöhnt war wie Marilyn Monroe. Sein politischer Ansatz wird durch seine Bilder von Bürgerrechtsfiguren, Vietnamkriegsoffiziellen und der New Yorker „Democracy“-Serie untersucht, an der er zum Zeitpunkt seines Todes im Jahr 2004 arbeitete. Es gibt Abschnitte, in denen Howards Dokumentation abschweift, insbesondere gegen Ende, aber das ist normal für die Abdeckung einer Karriere, die – wenn die Zahlen des Films korrekt sind – etwa 16.000 Sitzungen umfasste.

Pawel Pawlikowskis „Fatherland“ ist eines der nächsten Dinge zu einem Konsensfavoriten im Wettbewerb bisher, und ein Teil dessen, was daran erfrischend ist, ist seine Ökonomie. Es beschränkt seine Erzählung auf einen kurzen Moment im Jahr 1949, als der deutsche Schriftsteller Thomas Mann, der ein lautstarker Antinazi war und in den Vereinigten Staaten lebte, zum ersten Mal ins Nachkriegsdeutschland zurückkehrte. Von diesem Standpunkt aus reflektiert der Film über die Vergangenheit und Zukunft des Landes.

Im Bereich der Cannes-Premieren nimmt Volker Schlöndorffs „Visitation“, basierend auf einem Roman von Jenny Erpenbeck, der 2010 auf Englisch veröffentlicht wurde, den entgegengesetzten Ansatz. Er spannt sich über Jahrzehnte deutscher Geschichte, tut dies jedoch größtenteils von einem Standort aus – einem Seehaus und seiner Umgebung – wo verschiedene Familien von den Veränderungen betroffen sind, die durch die Nazi-Ära und den Kalten Krieg gebracht wurden.

Die erste Hälfte, die bis zum Beginn der unmittelbaren Nachkriegswiederaufbauzeit reicht, behandelt den Aufstieg der Nazis, wie er von einem Architekten (Lars Eidinger, ebenfalls in Cannes im französischen Widerstandsdrama „Moulin“ von László Nemes) und seiner Frau (Susanne Wolff) sowie einer Familie jüdischer Nachbarn erlebt wird, die das Gefühl haben, dass sich die Wände um sie schließen.

Die Tragödie dieser Familie hinterlässt Spuren: Briefe, die die Jüngste, Doris, für ihre Großeltern in Polen geschrieben hat, sind noch im Haus versteckt in der zweiten Hälfte, als eine Familie leidenschaftlicher deutscher Kommunisten, die den Krieg in der Sowjetunion verbracht hat, nach Ostdeutschland zurückkehrt und einzieht – und letztendlich auf ein Land stößt, das mehr auf gegenseitiger Gefälligkeit als auf den sozialistischen Idealen basiert, zu denen die Matriarchin, Nora (Martina Gedeck), weiterhin steht.

Noras Enkelin, Marija, ist die Erzählerin beider Hälften und wächst im Verlauf der zweiten auf. Ein Nachteil des weitreichenden Umfangs ist, dass Schlöndorff in bestimmten Ereignissen plump durchläuft, während er in anderen Klarheit opfert. Das Schicksal des Eidinger-Charakters, der zunächst versucht, die Gunst des Nazi-Architekten Albert Speer zu gewinnen, dann später versucht, Speers Ablehnung in einen Nachkriegs-Vorteil umzuwandeln, scheint besonders hastig.

Aber die Idee, den einzigen, am See gelegenen idyllischen Standort zu nutzen, der am Ende die „Kirschgarten“-Behandlung erhält, hat an sich eine Spannung. Dies sind Charaktere, die selbst an einem Ort gefangen sind, der scheinbar der Flucht dient.