Cannes 2026: Paper Tiger, Sheep in the Box

Es gibt einen Verfall im Fundament des amerikanischen Traums in James Grays sehr gutem „Paper Tiger,” einer Rückkehr zu vertrautem Terrain, das an seine frühen Filme wie „The Yards” und „We Own the Night” erinnert, jedoch mit einem noch stärkeren Strom des verdammten Melancholie. Die Gewässer, die durch diesen Teil von 1986 New York fließen, sind buchstäblich verschmutzt, und die Korruption, die sich stromabwärts ihren Weg bahnt, spült durchschnittliche Familien in ihrem Schlamm weg.

Von dem Moment an, als Gary Pearl (Adam Driver) im ersten Szenen von „Paper Tiger“ im Haus seines Bruders Irwin (Miles Teller) auftaucht, wissen wir, dass die Dinge nicht gut enden werden. Driver verleiht Gary ein Gefühl von gefährlichem Selbstbewusstsein, die Art von klassischem Filmcharakter, der seine Fähigkeiten überschätzt, um aus einer tödlichen Situation herauszukommen, und die Entschlossenheit seines Feindes, ihn zu fangen, unterschätzt. Dennoch weigert sich Driver, in das zu verfallen, was die übertriebene Hyperaktivität des Charakters hätte sein können, und findet die Wahrheit darin, anstatt die klischeehafte zappelige Natur, die oft diese Rolle typisiert. Er ist ein Problemlöser, der mit einem gigantischen Problem konfrontiert ist.

Es beginnt, als Gary vorschlägt, dass Alan in eine neue Bauberatungsgesellschaft einsteigt, die dieser Ex-Polizist gründet. Neue Arbeiten entlang des Gowanus-Kanals haben zu einer Art Wildwest-Ansatz bei den Vorschriften geführt, und Gary möchte den besonnenen Alan hinzuziehen, um mit Unternehmen zu beraten, die die Behörden meiden wollen, entweder indem sie die Dinge legal machen oder sie einfach richtig verstecken. Er warnt ihn, dass sie in die kriminelle Unterwelt eintreten, und sie müssen vorsichtig sein, während sie es tun. Lass den straßenerfahrenen Gary reden; er weiß, wie man mit diesen Leuten umgeht.

Nachdem eine Beratung so gut läuft, dass Alan mit 10.000 Dollar in der Tasche nach Hause kommt, macht er den Fehler, seine beiden Söhne nachts zur Baustelle zu bringen, nur um zu bemerken, dass ein Bagger so positioniert ist, dass er seine neuen Kunden in Schwierigkeiten bringen könnte. Als er in etwas eindeutig Illegales hineinläuft, löst er eine Kettenreaktion von Ereignissen aus, die nur zu einer Tragödie führen kann. Bevor man sich versieht, wird Alans gesamte Familie bedroht, einschließlich seiner Frau Hester (Scarlett Johansson).

Nicht nur haben wir solche Filme schon einmal gesehen, sondern wir haben sie auch von Gray selbst gesehen, sodass „Paper Tiger“ anstatt als geradliniger Thriller zu fungieren, mehr wie eine Studie über unvermeidliche Zerstörung wirkt. Während Gary versucht, seinen Bruder zu retten, wird er selbst tiefer in den Schlamm hineingezogen. Wir wissen, dass mindestens einer dieser Brüder nicht lebend aus dieser Situation herauskommen wird; die einzigen Fragen sind, wer und wie.

Gray führt Driver und Teller zu zwei der besten Darbietungen ihrer individuellen Karrieren. Driver hat die auffälligere Rolle: die Art von Typ, der Caterer mit Peter Lugers zu seinem Bruder nach Hause bringt und nicht zögert, seinen Neffen die Waffe zu zeigen, die er in seiner Socke trägt. Und doch ist es subtiler, als es klingt, da Driver zunehmend lautere Noten der Verzweiflung in die Angeberei injiziert.

Teller spielt die Rolle, die Keitel in den 80ern gespielt haben könnte: ein zurückhaltender Familienmensch, der bereit ist, für seine Lieben zu kämpfen, aber möglicherweise die Regeln des Kampfes nicht kennt. Johanssons Arbeit war in diesem Jahr so umstritten wie jede Darbietung in Cannes, wobei einige sie zu ihren besten zählen und andere sie als Peinlichkeit bezeichnen. (Ich habe sowohl Oscar- als auch Razzie-Vorhersagen gesehen.) Ich bin eher neutral, aber wo du landest, könnte von deiner Toleranz für große Perücken und Akzente abhängen.

Abgesehen von Drivers Arbeit beeindruckt mich an „Paper Tiger“ am meisten die robuste Filmkunst. Gray vereint sich mit Joaquin Baca-Asay, um dem Film eine straffe, schweißtreibende Bildsprache zu verleihen, die bei Bedarf voller besorgter Nahaufnahmen ist, aber auch in Weitwinkelaufnahmen selbstbewusst blockiert ist. Es gibt eine Sequenz am Höhepunkt des Films entlang einer Landstraße, die zeitlos ist, perfekt inszeniert, gefilmt und geschnitten, sodass sie sich wie die Schlusszene eines klassischen Noir anfühlt.

Ich denke auch, dass es einen reicheren Subtext zu „Paper Tiger“ gibt, als seine einfache Erzählung seine Kritiker glauben machen könnte. Wieder einmal fühlt es sich wie ein persönlicher Film für Gray an, der genau vier Jahrzehnte zurückgeht zu einer Zeit, als das Potenzial des amerikanischen Traums durch einen Mann, der versucht, das Richtige zu tun, zerstört werden könnte. Es ist eine altmodische Geschichte von einem guten Mann, der durch zwei Schicksalswendungen dezimiert wird: einem nächtlichen Besuch bei einem Job und einer Diagnose, die seine Frau betrifft, über die er noch weniger Kontrolle hatte. In diesem Sinne geht es darum, wie wir unser Bestes tun können, um zu arbeiten, zu streben und zu planen, nur damit alles wie Seidenpapier auseinanderfällt.

Die größte Enttäuschung des frühen Teils von Cannes in diesem Jahr muss Hirokazu Kore-edas „Sheep in the Box“ sein, ein Film, der sich nahtlos in die Geschichte dieses meisterhaften Filmemachers über ungewöhnliche Familien einfügt, dies jedoch auf eine fast aggressiv inaktive Weise tut, so entleert von Emotion, dass er zusammenbricht, wenn er versucht, im sirupartigen Finale herzergreifend zu sein. Es ist, als hätte Kore-eda die Kritiken zu Spielbergs „A.I.: Künstliche Intelligenz“ betrachtet und so sehr versucht, Sentimentalität zu vermeiden, dass er seinem Projekt all sein Herz und Blut entzogen hat. Dies ist ein erdrückend steriles Stück Filmemacherei, das so entschlossen ist, nicht melodramatisch zu sein, dass es vergisst, überhaupt etwas zu sein.

Kensuke (Daigo) und Otone (Haruka Ayase) befinden sich noch tief im Trauerprozess über den Tod ihres kleinen Sohnes, als sie eine Kontaktaufnahme von einer Firma namens ReBirth erhalten. Sie bieten ein unglaubliches Produkt für Menschen an, die nicht bereit sind, Abschied zu nehmen: eine Android-Version ihres Kindes. In diesem „Black Mirror“-ähnlichen Konzept wurde der neue Kakeru (Rimu Kuwaki) mit vielen der Interessen des Originals programmiert (insbesondere Züge, ein Kore-eda-Motiv), hat aber auch einige technische Anforderungen, wie nicht weit von Mama und Papa weggehen zu können und auf einem Stuhl aufgeladen werden zu müssen. Er muss auch nicht essen und kann nicht nass werden. Ja, es klingt leicht beängstigend, und Kensuke ist zugegebenermaßen zögerlich (er nennt es einen Roomba), aber es fühlt sich an, als ob Otone das braucht. Es ist nicht für immer; vielleicht ist es nur eine Chance, Abschied zu nehmen.

Kore-eda macht seit den meisten seiner Karriere Filme über ungewöhnliche Familien, von den verlassenen Kindern in „Nobody Knows“ bis zu den Außenseitern in „Shoplifters“ und „Broker.“ Daher macht es Sinn, dass dieses Konzept ihn ansprechen würde: Kann eine zerbrochene Familie durch Technologie repariert werden? Das Problem ist, dass er anscheinend nicht bereit ist, sich wirklich mit den Ideen im Zentrum dieses Dramas auseinanderzusetzen. Er ist ein so zutiefst humanistischer Filmemacher, dass er schöne Momente mit seinen Darstellern findet, insbesondere mit Ayase, aber es fühlt sich fast so an, als hätte er gehofft, die Geschichte würde organisch philosophische Register finden, was sie einfach nie tut.

Als Kore-eda schließlich entscheidet, dass er die zuckersüße Musik in seinen mehreren Enden anheben muss, um eine emotionale Reaktion zu provozieren, hat „Sheep in the Box“ völlig seine Bedeutung verloren. Es ist nicht wirklich eine Warnung, die natürliche Entwicklung von Trauer aufzuhalten, sondern eher ein unausgereiftes Gedankenexperiment. Es muss mehr Blut unter der Oberfläche eines Films fließen, in dem trauernde Eltern wieder Zeit mit ihrem toten Kind verbringen. Es mag absichtlich sein, angesichts des Themas, aber dieser Film hat keine Seele.