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Female Filmmakers in Focus: Milagros Mumenthaler über „The Currents“

By Sofia Martinez · Culture & Entertainment Editor

June 3, 2026 · 9 min read

Eine Erkundung jener inneren Impulse, die wir selbst nicht immer verstehen, und deren Auswirkungen auf unser Leben, im dritten Spielfilm von Milagros Mumenthaler, „The Currents“, folgt Lina (Isabel Aimé González Sola), einer argentinischen Designerin, die nach einer drastischen Entscheidung sucht. Während sie in der Schweiz einen Preis entgegennimmt, flieht sie von der Zeremonie und verspürt bald den Drang, in einen gefrorenen Fluss zu springen. Sie überlebt den Sturz und kehrt mit einer lähmenden Angst vor Wasser in ihre Heimat Buenos Aires zurück, die sie mit ihrem Mann (Esteban Bigliardi) nicht teilt.

Zunehmend isoliert, entfremdet sich Lina langsam von allem, was ihr einst lieb und teuer war – ihrer Karriere, ihrem Mann und sogar ihrer 5-jährigen Tochter Sofía (Emma Fayo Duerte). Wird sie jemals ihren Weg zurückfinden?

Mumenthaler wurde 1977 in Argentinien geboren und wuchs in der Schweiz auf, wohin ihre Familie während der Militärdiktatur des Landes immigrierte. Mumenthaler hat zahlreiche Kurzfilme und drei gefeierte Spielfilme gedreht, die alle auf die eine oder andere Weise die Intimität und Innerlichkeit des Frauenlebens erforschen.

_Regisseurin Milagros Mumenthaler (Credit: Kino Lorber)

Ihr Spielfilmdebüt „Back to Stay“, über Schwestern, die den Verlust der Großmutter betrauern, die sie großgezogen hat, gewann 2011 den Goldenen Leoparden beim Locarno Film Festival. Ihr Nachfolgefilm „The Idea of a Lake“ erforscht die Fragmentierung der Erinnerung durch die Geschichte einer Fotografin, die ein Foto ihres Vaters findet, was sie dazu inspiriert, sein mysteriöses Verschwinden während der Diktatur zu untersuchen.

Ihr jüngster Film „The Currents“ feierte seine Premiere auf dem 50. Toronto International Film Festival und wurde anschließend auf dem San Sebastián International Film Festival, dem New York Film Festival und dem Chicago International Film Festival gezeigt. In ihrer Drei-Sterne-Rezension des Films schreibt Sheila O’Malley: „Die Bereitschaft von ‚The Currents‘, anzudeuten statt zu zeigen, Echos zu erzeugen statt verbale Schlussfolgerungen zu ziehen, ist die Hauptquelle der Kraft des Films.“

Für die diesmonatige Kolumne „Female Filmmakers in Focus“ sprach RogerEbert.com über Zoom und mit einem Übersetzer mit Mumenthaler über das Bild, das ihren Film inspirierte, ihre Auseinandersetzung mit Dissoziation und dem Navigieren unserer vielen Ichs, ihre Verwendung von Musik von Gustav Holst und ihre Filme, die Fragen aufwerfen, statt Antworten zu geben.

Dieses Interview wurde zur besseren Lesbarkeit gekürzt.

Dies ist ein sehr emotionaler Film, und ich fragte mich, was der ursprüngliche Auslöser für die Inspiration war. Gab es eine Frage, eine Emotion, ein Bild oder ein Gefühl, von dem aus Sie diese Geschichte entwickelt haben?

Am Anfang dieses Projekts stand ein Bild, ein Bild, auf dem ich am Ufer der Rhone in Genf entlangging und plötzlich stellte ich mir vor, wie eine Frau sich ins eiskalte Wasser stürzt. Es war ein Bild, das mich eine Weile beschäftigte. Es begann als ein Bild, das viele Fragen aufwarf: Wer war diese Frau? War sie sich dessen bewusst, was sie getan hatte, oder hatte ihr Körper für sie gesprochen?

Es hat etwas sehr Intimes, so sehr auf der Figur selbst zu basieren, mich in ihre Schuhe oder ihre Haut zu versetzen und sehr aufmerksam zu sein und wirklich zu sehen, wohin sie diese Bedingung führt. Aktiv treiben lassen. Ich denke, das macht es zu einem sehr sinnlichen Film, in dem man wirklich spüren kann, was die Figur sieht oder hört.

Es fühlt sich sehr nach einem Film an, der versucht, das Gefühl der Dissoziation darzustellen. Haben Sie Dissoziation erforscht, oder war dies eher eine intuitive Erkundung dieses Prozesses und dieser Seinsweise?

Es gab beides. Es gab einen formellen Prozess, bei dem ich während des gesamten Filmprozesses mit einem Psychoanalytiker zusammenarbeitete, und ich stützte mich auch auf Lektüre, die stärker mit Neurologie und Psychologie verbunden war. Aber darüber hinaus denke ich, dass es etwas gibt, bei dem der Filmcharakter für jeden einen existenzielleren Konflikt hat, der nach dem lebensbedrohlichen Ereignis deutlicher wird. Wir alle können uns fragen: Gibt es andere mögliche Leben für uns? Können wir uns einfach abspalten? Verschwinden? Oder uns neu erfinden?

Diese Fragen stehen derzeit stark im Vordergrund. Lina ist eindeutig jemand, der sich all diese Fragen stellt und sich sogar erlaubt, diesen Prozess physisch durchzumachen. Aber sie hat auch einen sehr wichtigen Anker in ihrer Tochter. Ich denke, Mutterschaft ist das, was sie auf dem Boden hält, was sie präsent hält und sie letztendlich dazu bringt, zu bleiben.

Für ihre Arbeit und ihre Familie ist sie als Lina bekannt, aber bei ihrer Freundin ist sie Cata. Sie ist gleichzeitig zwei verschiedene Personen. Ich würde gerne Ihre Gedanken dazu hören, wie diese Figur versucht, diese beiden Leben zu verschmelzen, und ob Sie glauben, dass es möglich ist, gleichzeitig mehrere Personen zu sein.

Im Film ist sie Cata, aber Cata bezieht sich mehr auf ein früheres Leben, und Lina bezieht sich auf ihr jetziges Leben. Lina ist jemand, der zwischen sozialen Schichten gewechselt hat. Ich denke, um zu existieren, muss sie Cata hinter sich lassen und sich in Lina verwandeln. Für mich hat also eine ihrer größten Krisen mit dem Gefühl der Zugehörigkeit zu tun, und damit, dass sie sich weder als Cata noch als Lina wirklich zugehörig fühlt. Tief im Inneren geht es also um die Frage: Wer ist sie wirklich?

Ich denke, wir können alle verschiedene Personen sein. Ich denke, jeder von uns verändert sich, je nachdem, wo wir sind und in welchen Kreisen wir uns bewegen. Denn in all diesen Kreisen werden wir auch unterschiedlich wahrgenommen. In dieser Dynamik der Beziehungen verändern wir uns. Man ist nie dieselbe Person innerhalb der Familie, denn zugewiesene und nicht zugewiesene Rollen lassen uns auf bestimmte Weise handeln oder sprechen; vielleicht werden wir in einer anderen Umgebung zu anderen Personen mit anderen Rollen.

Wir nehmen nicht immer dieselbe Rolle in jedem Raum ein. Wir präsentieren uns immer anders, oder wir können es immer, und wir erscheinen auch anders. Und während all dies geschieht, sind wir innerlich immer noch eine ganz andere Person, und ich denke, der Film spricht viel über genau diese Spannung zwischen dem objektiven äußeren Erscheinungsbild und dem intimen subjektiven inneren Selbst.

Der Strom (Kino Lorber)

Sie erwähnten ihre Tochter als Anker für sie, aber offensichtlich ist ihre Mutter ein weiterer wichtiger Faktor in der Psychologie und zieht sie vielleicht, wie Sie sagten, zurück in ihr früheres Leben. Diese Spannung mit ihrer Mutter hält sie vielleicht ein wenig zurück. Ihre Mutter und ihre Tochter sind so unterschiedliche Anker, die sie am Ende in so unterschiedliche Richtungen ziehen.

Von Anfang an gibt es dieses Gefühl, dass auf irgendeine Weise alle Wege zurück zu ihrer Mutter führen. Wenn sie die Stickerei sieht, und wenn sie sich in diesem Theater verliert, wo sie das Fotoshooting machen, oder später auch am Leuchtturm, wenn wir uns vor diesem Haus wiederfinden, ohne dass wir als Zuschauer noch wissen, was dieses Haus ist. Jeder Weg führt auf irgendeine Weise zur Mutter. Ihre Mutter ist ein bisschen der Samen dieser Geschichte, oder zumindest dessen, was Lina durchmacht. Damit Lina für sich selbst existieren kann, musste sie aus dem Haus ihrer Mutter fliehen. Wenn man eine Mutter hat, die so zerbrechlich und so von ihrer psychischen Krankheit verzehrt ist, gibt es eine Vernachlässigung der Menschen, die ihr nahe sind.

Lina kehrt in diesem Sinne zum Haus ihrer Mutter zurück, um Antworten zu suchen. Ich glaube nicht, dass sie sie dort findet, aber der Ort, an den sie geht, um Antworten zu suchen, bekräftigt sie letztendlich in ihrer eigenen Mutterschaft und erlaubt ihr, bei ihrer Tochter zu bleiben, ohne zu wiederholen, was ihre Mutter getan hat. Sie differenziert sich. In diesem Sinne bleiben viele Male in familiären Beziehungen, auch wenn wir die Beziehung oder die Familiendynamik sehr kritisch betrachten, diese Bezugspunkte bestehen, und wir fallen unwillkürlich in dieselben Verhaltensweisen und Einstellungen wie die Menschen, die wir vielleicht kritisiert haben.

Ich wollte nach der Verwendung von Gustav Holsts „Venus, die Friedensbringerin“ fragen. Es ist ein so schönes, beruhigendes Musikstück, das im Gegensatz zur sehr chaotischen Innerlichkeit steht, die Lina in diesem Moment durchlebt. Wie sind Sie auf dieses Musikstück gekommen?

Bei den Momenten, in denen das Stück „Venus“ als Musik verwendet wird, wussten wir, dass das Stück bestimmte Eigenschaften haben musste, und zuerst musste es etwas sein, das einen vorwärtsbringt, ein Thema oder ein Stück, das sich anfühlt, als würde es irgendwohin gehen. Denn manche Musik ist repetitiver oder rhythmischer, während andere Stücke einen sozusagen zu einem Ziel tragen.

Es musste auch eine gewisse märchenhafte Qualität haben. Lina hat in diesem Zustand des aktiven Treibens, in dem sie sich während des gesamten Films befindet, etwas sehr Spielerisches an sich. Im Sinne des Sich-Ergebens dem Erlebnis, des Sich-Hingebens dem Erlebnis, um zu sehen, was passiert. Für mich repräsentieren diese Elemente Linas Zustand sehr gut. Es gibt Spannung, weil sie es nicht weiß, oder? So wie ihr Körper plötzlich sprach und sie ins eiskalte Wasser warf, wusste sie nicht, was als Nächstes passieren würde.

Es gibt auch Nostalgie, denn ich denke, Lina ist während des gesamten Films eine zutiefst nostalgische Figur. Es ist eine Darstellung, wie sie die Welt sieht. Man spürt diese Nostalgie, wenn sie sich die Stickerei ansieht oder zusieht, wie die Frau den Korsett anfertigt. Dies sind alles Aktivitäten, die aus einem völlig anderen Rhythmus des Lebens stammen, sehr anders als ihre Arbeit, dieses chaotische, hektische Tempo ihres Alltags. Ich denke, Lina trägt diese Nostalgie in sich.

Dann gibt es die spielerische Seite. Sie versucht nicht, eine konkrete Antwort auf die Frage zu finden: „Nun, was genau stimmt mit mir nicht?“ Sie sucht keine definitive Diagnose. Sie lässt sich treiben, und darin liegt etwas Spielerisches. Eine Art „Mal sehen, was passiert“. Aber dann gibt es auch eine Seite des Mutes.

Als wir also anfingen, nach Musik zu suchen, hatte ich all diese Elemente im Vordergrund. Wir hörten uns Stücke an und sagten: „Nun, das nicht, weil es dieses märchenhafte Gefühl nicht hat“, oder „Das nicht“, weil ihm etwas anderes fehlt. Als wir „Venus“ von Gustav Holst hörten, war es perfekt. Es spiegelte Linas emotionalen Zustand genau wider.