Etwas in deinem Fleisch leben: Anna Winocour über „Couture“

Angelina Jolie ist zurück mit einer ihrer „rohesten und verletzlichsten Darstellungen seit Jahren“ in dem scharfsinnigen neuen Drama „Couture“ von Autorin und Regisseurin Alice Winocour. Der Film spielt während der Pariser Modewoche und ist sowohl ein emotionales Krebsdrama als auch eine aufschlussreiche Betrachtung der unsichtbaren Arbeit von Frauen in der Modeindustrie.

Die in Paris, Frankreich, geborene Filmemacherin Alice Winocour studierte Drehbuchschreiben an der La Fémis, bevor sie drei Kurzfilme drehte und 2009 am Drama „Ordinary People“ mit Regisseur Vladimir Perišić mitschrieb. Winocour gab dann ihr Regiedebüt mit dem Biopic „Augustine“, das 2012 auf den Filmfestspielen von Cannes im Rahmen der Semaine de la Critique uraufgeführt wurde. Ihr zweiter Film, der Neo-Noir-Thriller „Disorder“ mit Matthias Schoenaerts und Diane Kruger, debütierte 2015 in der Sektion Un Certain Regard der Filmfestspiele von Cannes.

Im selben Jahr wurde „Mustang“, das türkische Drama, das sie mit Regisseurin Deniz Gamze Ergüven mitschrieb, für den Oscar als bester fremdsprachiger Film nominiert. Als nächstes folgte das Astronautendrama „Proxima“ mit Eva Green, das 2019 auf dem Toronto International Film Festival uraufgeführt wurde. Virginie Efira gewann den César für die beste Hauptdarstellerin für ihre Leistung in Winocours Drama „Revoir Paris“, das 2022 im Rahmen der Quinzaine des Réalisateurs bei den Filmfestspielen von Cannes uraufgeführt wurde.

_

Wie ihre früheren Filme konzentriert sich ihr neuer Film „Couture“ auf das komplexe Innenleben von Frauen, während sie sich in der modernen Welt zurechtfinden. Der Ensemblefilm unter der Leitung der stets großartigen Jolie wurde teilweise von Winocours eigener Auseinandersetzung mit Brustkrebs inspiriert. Der Film spielt während der Pariser Modewoche und folgt der Indie-Horrorfilmregisseurin Maxine (Jolie), bei der kurz nach ihrer Ankunft in Paris Brustkrebs diagnostiziert wird, als sie ein Video für eine große Modenschau drehen soll. Der Film verwebt Maxines Geschichte mit der der Maskenbildnerin und angehenden Schriftstellerin Angèle (Ella Rumpf), dem frischen südsudanesischen Model Ada (Anyier Anei) und mehreren anderen Frauen, die hinter den Kulissen arbeiten, um während der Pariser Modewoche Magie zu vollbringen. In dieser glamourösen Welt erforscht Winocour, wie Schönheit und Schmerz so oft miteinander verschmelzen und wie Frauenkörper sowohl zum Schlachtfeld als auch zu ihrem heiligsten Raum werden.

Für die diesmonatige Kolumne „Female Filmmakers in Focus“ sprach RogerEbert.com per Zoom mit Winocour über die Zusammenarbeit mit Jolie an einem so persönlichen Thema, die Politik der Präsentation eines Films über kollektive Arbeit und die Gestaltung eines Films voller Frauen, die man nicht oft auf der Leinwand sieht.

Dieses Interview wurde zur besseren Lesbarkeit gekürzt.

Offensichtlich ist das eine sehr persönliche Geschichte für Sie und Ihre Star-Schauspielerin Angelina Jolie. Ich würde gerne hören, wie es war, gemeinsam an einem Film zu arbeiten, der sich auf eine Erfahrung konzentriert, die Sie beide in Ihrem wirklichen Leben so tief und persönlich empfunden haben.

Es war etwas sehr Emotionales, mit jemandem zusammenzuarbeiten, der eine Operation an ihrem Körper durchgemacht hatte. Angelina hatte nie Krebs, da sie sich präventiv operieren ließ, aber sie verlor ihre Mutter und Großmutter an die Krankheit. Es gab also definitiv eine besondere Bindung zwischen uns beiden, etwas, das man nicht mit Worten erklären kann. Wenn man etwas am eigenen Leib erfahren hat, weiß man, wovon man spricht.

Wir hatten großes Glück; wir konnten etwas mit unseren Narben machen, und das war die ganze Idee des Films. Die Wunden teilen und etwas daraus machen. Wir haben den Film wirklich mit dieser Art von Punk-Energie gemacht, die Angelina auch hat. Ich liebe ihren rebellischen Geist und die Art, wie sie im Leben agiert. Wir haben es sehr schnell gemacht, mit dem Gefühl der Dringlichkeit, dass wir das Leben feiern mussten. Und so war es eine sehr tiefgründige und emotionale Erfahrung.

Ihre Leistung ist voller schöner innerer Momente. Ein großer Teil des Films besteht darin, dass sie Dinge aufnimmt; so viel Emotion kommt aus ihren Augen. Wie erarbeitet man eine so innere Leistung?

Ich denke, das ist sehr schwierig. Manchmal denkt man, dass Handlungen schwieriger erscheinen, aber ich denke, das Schwierigste für einen Schauspieler ist es, seine Verletzlichkeit oder seine Seele zu zeigen. Emotional nackt zu sein, und ich meine, sie ist auch im Film nackt, aber sie ist emotional so nackt, und das erforderte viel Vertrauen, besonders für einen so großen Star wie Angelina. Es gab viel Austausch, und ich bin wirklich so dankbar, dass sie so viel von sich selbst für den Film gegeben hat. Sie spricht Französisch; sie tut so viele Dinge, die für sie herausfordernd waren.

Außerdem ist sie nicht mehr sehr wohl mit der Idee von Sexszenen, aber sie hat es getan, weil es eine besondere Szene war; es ging um die Idee, Sex zu haben, wissend, dass man Krebs in den Brüsten hat, sich von den Brüsten vor der Operation zu verabschieden, also ist dies das letzte Mal, dass die Figur dies tut, Sex mit ihren beiden intakten Brüsten hat. Der Film war also sehr emotional, und sie hat so viel für den Film gegeben.

Wie Sie sagten, kommt so viel von ihr auf der Leinwand zum Vorschein. Es war viel zu beobachten.

Manchmal sagte sie mir, es sei zu viel. Sie hatte nichts, hinter dem sie sich verstecken konnte. Aber ich sagte ihr, dass sie genau das im Film zeigen würde – die echte Angelina hinter Angelina Jolie, hinter dem Idol, wer sie _wirklich _ist.

Sie haben erwähnt, dass dies in gewisser Weise ein Film über Arbeit ist. Es geht um diese Frauen, diese Fachleute, die in dieser wirklich schwierigen Branche arbeiten. Auch wenn es von außen sehr glamourös aussieht, ist es eine schwierige Branche. Könnten Sie etwas über die Gestaltung dieser Charaktere erzählen, die jeweils eine Facette der Arbeit in der Modebranche repräsentieren?

Es ist eine Sache der Arbeit, und es geht um Arbeiter. Denn ich glaube nicht, dass das die Leute von Angelina Jolie in einem Modefilm erwartet hätten. Diese Filme sind immer Geschichten über künstlerische Leiter oder über die Machthaber, und meistens aus einer männlichen Perspektive, denn künstlerische Leiter sind meistens Männer. Ich wollte das echte Leben von Arbeitern zeigen, wie die Näherinnen im Atelier, Maskenbildnerinnen, das Glamour-Team und all diese Models. Es gibt die großen Supermodels, aber dann gibt es diejenigen, an die niemand denkt, wie Fit-Models. Bei meinen Recherchen habe ich entdeckt, dass es so viele verschiedene Welten in der Branche gibt.

Es war wirklich berührend, denn wir haben mit Chanel zusammengearbeitet und die echten Arbeiterinnen und Näherinnen gezeigt. Sie waren so glücklich, angeschaut und für den Film gefilmt zu werden. Wir haben dort die Vorführung gemacht. Es war auch sehr emotional, weil es mit all den Frauen im Film war. Danach kamen sie zu mir und sagten: „Oh, das ist unser Leben.“

Außerdem hatten wir Yulia Ratner, das ukrainische Model, das wirklich aus Saporischschja kam, obwohl sie in Kiew war, als ich sie traf. Sie war über Polen geflohen, um der Kriegsflucht zu entgehen und zur Modewoche zu gelangen, und ging dann zurück in die Kriegszone. Anyier Anei, das südsudanesische Mädchen, kam ebenfalls aus einer Kriegszone. Sie trafen sich in dieser glamourösen Atmosphäre. Ich wusste nichts über Mode, dass es all diese Leute hinter den Kulissen gab. Das wollte ich zeigen.

Es gibt viel Geopolitik in diesem Film, nicht nur Arbeit, sondern auch Geopolitik hinter dem Glamour.

Mode dringt ständig in die Welt ein. Wir leben mit diesen Modebildern; sie sind überall um uns herum, aber die Welt dringt auch in die Modewelt ein. Ich dachte auch, dass es gerade politisch sei, einen Film zu machen, der von einer Gemeinschaft handelt, nicht nur von einer individuellen Geschichte, sondern von der Geschichte vieler Frauen, und von dieser Idee, seine Fähigkeiten und Empathie zu teilen. Ich meine, in gewisser Weise sind alle Charaktere derselbe Charakter, weil sie ein Selbstporträt sind, sie sind alle Fragmente von mir, einer Frau, und all den Frauen, die ich war und die ich nicht mehr bin. Eine Frau in ihren 20ern, 30ern, 40ern, irgendwie ist es dieselbe Frau, aber gleichzeitig sind es alles Teile des Lebens, die ich wirklich gesehen habe.

Es sind auch die Teile des Lebens in der Modebranche, die ich wirklich gesehen habe. All die Mädchen, die ich getroffen habe, hatten so harte Leben, und sie sind aus verschiedenen Generationen. So sehen wir im Film sogar diese Frau in ihren 70ern, die Maxine im Krankenhaus trifft. Was auch sehr lustig ist, ist, dass fast alle Frauen in meinem Film irgendwann in ihrem Leben Models waren. Diese Frau, Aurore Clément, war ein Model. Ella Rumpf, die Angèle spielt, war kein Model, aber Anyier ist es. Es sind also wirklich verschiedene Stadien des weiblichen Körpers.

Als Arbeitsfilm gibt es offensichtlich viele Themen, die sich um die Models drehen – ihre Körper sind ihr wichtigstes Kapital, richtig? Dann haben Sie Angèle, die Maskenbildnerin, deren Aufgabe es ist, ihre Narben zu verdecken. Sie sehen ein paar Szenen, in denen sie das tut und ihre Körper perfekt aussehen lässt, aber Sie sehen auch, dass ihre Zehen bluten. Ich würde gerne Ihre Gedanken dazu hören, wie Sie all diese Schönheit und dann auch die Zerstörung und das Zerfallen ihrer Körper zeigen, und doch stützen sie sich gegenseitig. Ich bin wohl an der Kombination von Schönheit und Schrecken interessiert.

Ja, es geht auch um das Leiden, wie man sieht, wenn Ada, Anyiers Charakter, ihre Füße auf Eis legt, weil sie so schmerzen. Es ist viel Schmerz, ich denke, ja, wir sehen Frauen leiden, aber gleichzeitig geht das Leben weiter. Zuerst dachte ich, der Film könnte „Ride or Die“ heißen, wissen Sie, weil er voller Überlebensgeist ist und auch um Krebs geht. Ich denke, viele Filme über Krebs sind sehr herablassend. Aber wenn man diese Erfahrungen durchmacht, ich meine, das Leben geht weiter. Man hat nicht nur diese Frage des Krebses; man bleibt eine Frau mit Wünschen, mit anderen Problemen, wie Geldproblemen, wie Familienproblemen, allem. Es ist wie das Chaos des Lebens.

Ich fand es interessant, Krankheit als Liebesgeschichte darzustellen, denn man kann sich in das Herz verlieben, selbst inmitten der Härte der Krankheit oder jeder schwierigen Zeit. Ich denke, das Leben ist komplex. Schönheit und Tod sind immer miteinander verschmolzen, also wollte ich das in diesem Film darstellen.

Ich wollte Sie nach dem männlichen Schreibberater fragen, mit dem Angèle ihr Projekt bespricht. Er sagt zu ihr: „Nur weil etwas wirklich passiert ist, heißt das nicht, dass es interessant ist.“ Das ist so eine schreckliche Sache, jemandem zu sagen, und so gemein. All diese Frauen kämpfen darum, ihre Geschichten zu erzählen oder ihre Wahrnehmung herauszufordern, und es fühlte sich so schneidend und so real an.

Es gibt viel Meta im Film. Manche Kritiker würden genau das sagen. Aber es ist eine reale Geschichte, die ich sehen wollte, mit all diesen Frauen. Das Drehbuch wurde auch von Kommentaren inspiriert, die ich in meinen Dreißigern erhielt, als ich anfing zu schreiben, von Beratern wie diesem oder von Leuten, die einem sagen: „Nein, so solltest du es nicht machen. Du solltest es anders machen.“ In einer Fragerunde sagte mir ein Mann, es sei lustig, dass in dem Film die meisten Männer, die mit Frauen sprechen, ihnen sagen, was sie mit ihren Körpern, ihrem Leben oder ihrem Schreiben tun sollen. Es sind alles Männer, die Frauen sagen, was sie tun sollen. Ich fand das sehr wahr.

Es gibt in beiden Welten viele Männer.

Das stimmt, und deshalb wollte ich wirklich die Leben der Frauen beleuchten, von denen ich dachte, dass ich sie im Kino nicht sah. Auch Anyier, das südsudanesische Model, wollte ich wirklich auf die Kinokarte setzen. Es gibt keine südsudanesischen Stars, und doch sind Models von dort überall. Es ist gerade sehr angesagt, Mädchen aus dem Südsudan zu präsentieren. Sie sind überall, in Werbespots und Shows. Also wollte ich wirklich wissen, wie ihr Leben war, was ihre Geschichte war.

Gibt es andere Filmemacherinnen, deren Arbeit Sie inspiriert hat oder die Sie den Lesern empfehlen würden?

Es gibt so viele, darunter auch männliche Regisseure. Ich meine, natürlich war Agnès Varda eine Inspiration. Kathryn Bigelow war auch eine Inspiration. Ich mag Regisseure, die Codes sprengen, die sich Weigerungen entziehen. Bigelow war eine große Inspiration für mich für Actionfilme und wie man Action inszeniert. Aber ich bin auch von vielen männlichen Regisseuren sehr inspiriert. Ich denke, es ist wichtig zu bekräftigen, dass ich nicht wirklich weiß, was es bedeutet, eine Regisseurin zu sein. Natürlich ist das weiblich sein ein Aspekt, aber ich denke, wir sollten gleichberechtigter sein.

Ich wünschte, zukünftige Generationen müssten diese Art von Fragen nicht beantworten. Denn man fragt Männer nie, welche männlichen Regisseure sie mögen.